Coronadas

Un viaje estético

La serie artística titulada Coronadas utiliza elementos pictóricos del Barroco para explorar el concepto de "el vacío" en la era posmoderna, siguiendo la propuesta de Gilles Lipovetsky en "La Era del Vacío". La serie se compone de diez piezas inspiradas en los cuadros de Monjas Coronadas del Barroco Novohispano. Estos retratos barrocos novohispanos capturan la devoción de mujeres que optaron por la vida monástica en contraste con la ligereza de creencias en la era posmoderna.

La serie utiliza tanto pinturas al óleo como esculturas para explorar la sensación de mística y sobrenatural, inspirándose en la opulencia barroca. Se destaca la complejidad visual de los retratos de las monjas coronadas, que, según Rogelio Ruíz Gomar, se caracterizan por la ornamentación y el artificio. La serie también reflexiona sobre la búsqueda de permanencia y la autonomía de las monjas en la sociedad novohispana, considerando su posición especial como novias de Cristo.

Se establece un diálogo entre el Barroco y la Era del Vacío, destacando la resistencia de la devoción monástica al vacío existencial posmoderno. La serie propone una reflexión sobre la búsqueda moderna de llenar el vacío, utilizando la estética barroca para explorar la dualidad entre lo estático y lo efímero. En última instancia, invita al espectador a reflexionar sobre la conexión entre dos épocas aparentemente distintas pero compartiendo similitudes en la búsqueda de significado y estímulo estético.

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The artistic series entitled [name] uses pictorial elements of the Baroque to explore the concept of "emptiness" in the postmodern era, following Gilles Lipovetsky's proposal in "The Age of Emptiness". The series comprises ten pieces inspired by the Novohispanic Baroque paintings of Crowned Nuns. These Novohispanic Baroque portraits capture the devotion of women who opted for the monastic life in contrast to the levity of belief in the postmodern era.

The series uses oil paintings and sculptures to explore the sense of mysticism and the supernatural, drawing inspiration from baroque opulence. It highlights the visual complexity of the portraits of the Crowned Nuns, which, according to Rogelio Ruíz Gomar, are characterized by ornamentation and artifice. The series also reflects on the nuns' search for permanence and autonomy in Novohispanic society, considering their special position as brides of Christ.

A dialogue is established between the Baroque and the Age of Emptiness, highlighting the resistance of monastic devotion to postmodern existential emptiness. The series proposes reflecting on the modern quest to fill the void, using Baroque aesthetics to explore the duality between the static and the ephemeral. Ultimately, it invites the viewer to reflect on the connection between two seemingly different eras that share similarities in the search for meaning and aesthetic stimulation.

Coronadas

Un viaje Estético

Llenar el vacío / Individuo e imagen

La serie Coronadas utiliza los elementos pictóricos del Barroco para explorar el concepto de “el vacío” en la era posmoderna. La obra pretende contrastar una época, el Barroco, llena de simbolismo y espiritualidad, con la era posmoderna, en la cual se han aligerado las creencias. Siguiendo la propuesta de Gilles Lipovetsky en La Era del Vacío, la serie invita al espectador a experimentar la sensación de mística y sobrenatural inspirado por los retratos de las monjas coronadas novohispanas en el presente.

La colección está comprendida de diez piezas inspiradas en los cuadros de Monjas Coronadas en el Barroco Novohispano. Son siete cuadros al óleo sobre tela con flores de tela pintadas y tres esculturas construidas con ramas y flores de tela pintadas con óleo. La intención detrás de dichas piezas es utilizar los elementos ornamentales y religiosos de los cuadros para crear la sensación de sobrenaturalidad al mismo tiempo que se reflexiona en lo intangible y el vacío.

Monjas Coronadas

“O estado altísimo, en las Esposas del Señor, justamente comparado con los Ángeles del Cielo! O estado altísimo! Que no solo se compara con los Angeles; sino que en cierta manera les excede”.

Don Juan de Palafox y Mendoza

En este espacio convergen épocas y estilos. En el centro de esta propuesta se encuentran los retratos de Monjas Coronadas, piezas barrocas novohispanas que nos invitan a explorar la riqueza estética y espiritual que existe entre la opulencia barroca y el vacío posmoderno.

El barroco en las colonias americanas y particularmente en la Nueva España fue una época de constante cambio (S. XVII-XVIII). Dicha característica de la época se reflejó en la creación artística: crear obras en libertad y sin estar sujeta a las normas. En la pintura particularmente se crean imágenes fastuosas y de composiciones complejas. 

El retrato se convirtió en una forma en la cual la sociedad novohispana manifestaba el prestigio familiar, además de ser una manera de permanecer en la memoria. En este contexto de búsqueda de permanencia aparecen los retratos de las monjas coronadas. Durante este periodo, muchas mujeres se unieron a la vida monástica dejando atrás a la familia y a la vida secular. Así, las familias de las devotas no sólo donaban la dote de la hija a la orden a la que entraría, sino que también patrocinaban la composición de impresionantes retratos que conservarían la imagen de la hija que se enclaustraba a la vez que confirmaban el estatus socioeconómico de la familia.

Rogelio Ruíz Gomar ha señalado la complejidad visual de los retratos a través de la decoración y el artificio de los mismos. En los retratos se representaban a las novicias posando en un espacio casi sobrenatural, con grandes coronas de flores, sosteniendo bastones floridos y accesorios propios de una boda, como anillo, velo decorado, escudo de monja y una palma. Esto sugiere que las ceremonias funcionaban también como el matrimonio entre la novicia y Cristo. Elizabeth Perry dice que las imágenes eran emblemas del orgullo criollo y resultado de un sentido local de destino providencial. Los retratos de monjas coronadas se consideran un género pictórico único de la Nueva España aunque la tradición de retratar monjas se originó en Europa. 

Los retratos de las monjas coronadas son representaciones artísticas propias del barroco novohispano que no sólo capturan la imagen de mujeres devotas, sino también revelan la riqueza cultural y espiritual de una época marcada por la fe y la expresión artística. Son también documentos culturales que revelan la importancia de la espiritualidad y el estatus social en la sociedad colonial. 

La serie coronadas presenta el uso del óleo, al igual que los cuadros, para presentar la idea del vacío, utilizando la pintura para crear gradientes que se van aclarando, creando un efecto de matices. En dichas pinturas se puede observar la clara influencia de la técnica barroca, simultáneamente reflejando lo estático que ofrece el retrato y el vacío del presente. 

Por otro lado, las esculturas de la serie están inspiradas en las coronas y las palmas que portan las monjas en sus retratos. Se utilizan los ornamentos y las coronas que portaban para crear piezas que reflejen el lujo barroco.

La mujer novohispana navegaba bajo los preceptos cristianos de género en los que se distinguía a la mujer como naturalmente corrompida y a la vez piadosa, humilde y servil. Las monjas encontraron que al tener el título de novia de Cristo se posibilitaba cierta autonomía frente a la autoridad eclesiástica. Por lo tanto, la elección de retratar a las monjas coronadas sugiere un reconocimiento de su posición especial dentro de la jerarquía religiosa, resaltando su papel como novias de Cristo y defensoras de la fe.

Llenar el Vacío

En la encrucijada entre lo sagrado y lo efímero, los retratos de las monjas coronadas se erigen como testigos de una era que, paradójicamente, abrazaba la espiritualidad mientras experimentaba el declive de certezas tradicionales. Al observar dichos retratos desde el presente, podemos discernir cómo la vida monástica se confronta con lo que Gilles Lipovetsky llamó  la "Era del Vacío”, un período caracterizado por la búsqueda de experiencias efímeras y la disolución de las estructuras sólidas. Se contradice la idea barroca de llenado del vacío con el vacío existencial en donde todo se vuelve efímero, no hay un punto fijo, sólo ligereza. El Barroco, marcado por su exuberancia y teatralidad, se erige como un período en el que el arte buscaba la grandiosidad y la emotividad. Las expresiones artísticas barrocas, con su profusión de detalles, simbolismo y movimiento, contrastan fuertemente con la simplicidad y la uniformidad propuestas por la posmodernidad. 

La presente serie propone también explorar el concepto de perpetuidad que implica un retrato. La sociedad novohispana buscaba la permanencia a través de los cuadros, el humano llevado a la inmortalidad. Lo anterior se acompaña de la esencia mística y con lo estático del Barroco novohispano. Frente a esto aparece lo efímero, lo que no permanece y por lo tanto se vuelve ligero.

En el contexto del "individualismo posmoderno" propuesto por Lipovetsky, donde las grandes narrativas pierden su peso, los retratos de las Monjas Coronadas destacan como testimonios de devoción en medio del vacío. La devoción monástica se convierte en una resistencia al vacío existencial, desafiando la uniformidad cultural y la búsqueda efímera de placer.

 Este vacío existencial de la posmodernidad se manifiesta en la obsesión contemporánea con la novedad, la superficialidad y la búsqueda perpetua de estímulos efímeros. Ambos periodos buscan escapar de la norma, ya sea a través de la opulencia barroca que abruma los sentidos o mediante la exploración efímera de nuevas sensaciones en la era posmoderna.

A través de la serie Coronadas el artista propone una reflexión entre dos épocas en apariencia distintas a pesar de compartir sensaciones similares sobre el movimiento, lo estático, lo místico, lo bello y lo fastuoso. La invitación es, entonces, a reflexionar sobre la búsqueda moderna de llenar el vacío donde una posible pista pueda provenir de un pasado cargado de simbolismos. 

Crowned

An aesthetic journey

Filling the Emptiness / The Individual and the Image

The Crowned series uses the pictorial elements of the Baroque to explore the concept of "emptiness" in the postmodern era. The work aims to contrast an era, the Baroque, full of symbolism and spirituality, with the postmodern era, in which beliefs have been lightened. Following Gilles Lipovetsky's proposal in The Age of Emptiness, the series invites the viewer to experience a sense of mysticism and the supernatural inspired by the portraits of the Novohispanic Crowned Nuns in the present.

The collection is comprised of ten pieces inspired by the paintings of Crowned Nuns in the Novohispanic Baroque. There are seven oil paintings on canvas with painted fabric flowers and three sculptures constructed with branches and fabric flowers painted with oil. The intention behind these pieces is to use the ornamental and religious elements of the paintings to create a sense of the supernatural while reflecting on the intangible and the void.

Crowned Nuns

The Lord's Brides

Oh, most high-standing of the lord's brides, rightfully compared to the angels of heaven! Oh, most high-standing, that not only measures up the angels but in a certain manner, exceeds them!

Don Juan de Palafox y Mendoza

In this space, epochs and styles converge. At the center of this proposal are the portraits of Crowned Nuns, Novohispanic baroque pieces that invite us to explore the aesthetic and spiritual richness that exists between baroque opulence and postmodern emptiness.

The Baroque in the American colonies and particularly in New Spain was a time of constant change (17th-18th centuries). This characteristic of the time was reflected in artistic creation: creating works with freedom and without being subject to the rules. In painting, in particular, lavish images and complex compositions were created. 

The portrait became a way in which the Novohispanic society manifested family prestige, in addition to being a way to remain in remembrance. In this context of the search for permanence, the portraits of Crowned Nuns appear. During this period, many women joined the monastic life, leaving family and secular life behind. Thus, the families of the devotees not only donated the daughter's dowry to the order she would enter but also sponsored the composition of impressive portraits that would preserve the image of the cloistered daughter while confirming the family's socioeconomic status.

Rogelio Ruíz Gomar has noted the visual complexity of the portraits through their decoration and artifice. The portraits depicted the novices posing in an almost supernatural space, with large crowns of flowers, holding flowery canes and accessories typical of a wedding, such as a ring, decorated veil, nun's shield, and a palm. This suggests that the ceremonies also functioned as the marriage between the novice and Christ. Elizabeth Perry says that the images were emblems of criollo pride and the result of a local sense of providential destiny. Portraits of Crowned Nuns are considered a pictorial genre unique to New Spain although the tradition of portraying nuns originated in Europe. 

Portraits of Crowned Nuns are artistic representations typical of the Novohispanic baroque that not only capture the image of devout women but also reveal the cultural and spiritual richness of an era marked by faith and artistic expression. They are also cultural documents that reveal the importance of spirituality and social status in colonial society.

The Crowned series presents the use of oil painting to present the idea of emptiness, using the paint to create gradients that become lighter, creating a nuanced effect. In these paintings one can observe the clear influence of the baroque technique, simultaneously reflecting the static offered by the portrait and the emptiness of the present. 

On the other hand, the sculptures of the series are inspired by the crowns and palms carried by the nuns in their portraits. The ornaments and crowns they wore are used to create pieces that reflect baroque luxury.

Novohispanic women navigated Christian gender precepts in which women were distinguished as naturally corrupt yet pious, humble, and subservient. The nuns found that having the title of bride of Christ allowed them a certain autonomy from ecclesiastical authority. Therefore, the choice to portray crowned nuns suggests a recognition of their special position within the religious hierarchy, highlighting their role as brides of Christ and defenders of the faith.

Filling the Emptiness

At the crossroads between the sacred and the ephemeral, portraits of Crowned Nuns stand as witnesses to an era that, paradoxically, embraced spirituality while experiencing the decline of traditional certainties. Looking at these portraits from the present, we can discern how monastic life confronts what Gilles Lipovetsky called the "Age of Emptiness", a period characterized by the search for ephemeral experiences and the dissolution of solid structures. The Baroque idea of filling the void is contradicted by the existential void where everything becomes ephemeral, there is no fixed point, only lightness. The Baroque, marked by its exuberance and theatricality, stands as a period in which art sought grandiosity and emotionality. Baroque artistic expressions, with their profusion of detail, symbolism, and movement, contrast sharply with the simplicity and uniformity proposed by postmodernism. 

This series also proposes to explore the concept of perpetuity implied by a portrait. Novohispanic society sought permanence through paintings, the human being brought to immortality. This is accompanied by the mystical essence and the static of the Novohispanic Baroque. In front of this appears the ephemeral, that which does not remain and therefore becomes light.

In the context of the "postmodern individualism" proposed by Lipovetsky, where grand narratives lose their weight, the portraits of the Crowned Nuns stand out as testimonies of devotion amid emptiness. Monastic devotion becomes a resistance to existential emptiness, challenging cultural uniformity and the ephemeral search for pleasure.

 This existential void of postmodernity manifests itself in the contemporary obsession with novelty, superficiality, and the perpetual search for ephemeral stimuli. Both periods seek to escape the norm, either through baroque opulence that overwhelms the senses or through the ephemeral exploration of new sensations in the postmodern era.

Through the series Crowned the artist proposes a reflection between two apparently different periods, despite sharing similar sensations about movement, the static, the mystical, the beautiful, and the lavish. The invitation is, then, to reflect on the modern search to fill the emptiness where a possible clue may come from a past loaded with symbolism.

Créditos

Obras creadas por: Aitor Eguia

Investigación: Aitor Eguia

Texto: Daniela Murga Garrido

Colaborador textil: Alicia Estefania Morales

Fotografías: José Cárdenas